Blaz Kutin is a filmmaker and photographer. Born in Ljubljana, Slovenia, he is currently based in Berlin, Germany. He graduated in Ethnology and Sociology, but soon started working as a film writer/director. He directed several shorts and received a New Media award at the Cannes Film Festival for his screenplay “Lara” (2006), while his first feature film “We’ve Never been to Venice” screened at numerous film festivals around the world. For the last year and a half he has been building his photography portfolio in which he is predominantly exploring abstract photography. His latest project, called “I was Here”, shows fading photos of people on the walls of Berlin cityscape.

Interviewed by Chiara Costantino

 

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Blaz! How did you come to photography?

It happened spontaneously while I was developing my next film. I started exploring the medium more and more, and soon there was no way back.

You were born in Slovenia but you currently live in Germany. What important differences can you find between these two countries? Do they affect your art and how?

Perhaps the biggest difference is in size. Slovenia is very small, it has only 2 million people, and I think many other differences are direct consequences of this. But being here I don’t really feel so much as living in Germany, but in Berlin. The city has a special feel, it’s very open, and you can feel it immediately. The environment of course always affects one deeply, but I think what was important for me after moving here was that Berlin offered me a psychological distance. I could suddenly look at myself and the themes I was exploring with fresh eyes.

Your work explores especially abstract photography. Can you explain us what this kind of photography is and why are you interested in it?

For me, abstracts are pictures that do not directly represent reality. It takes the involvement of the viewer to put meaning to them. While I take a photograph, my goal is usually to transcend the medium. I’m told that many of my pictures could easily be paintings, for example, and the viewer wouldn’t guess that they’re actually watching a detail of a container or a wall. It’s hard to explain why I’m interested in this, it’s freeing I guess. I see it as opposite to, let’s say, street photography which often tends to bore me as a viewer. With abstractions and their shapes and colour I try to find something new, I’m excited to explore, to invent and discover, using my imagination and the subconscious.

Do you think your field of study (sociology and ethnology) influences your photographs?

It’s no coincidence that I studied them although it’s not very important either. I do have – as far as ethnology goes – a passion for the old, and most of my photography work represents that. Sociology, on the other hand, is something I needed to explore when I was younger – before turning to more personal, psychological and philosophical areas.

Analogue or digital? Why?

Nowadays I only use digital for abstracts and I’m grateful for all the convenience it offers. It gets the job done much more easily. But visually I prefer analogue. It does not matter much for my abstracts, but if I’d be taking different kind of photographs I’d probably use analogue.

You are also a filmmaker. Tell us something about this art area of yours. Does it relate to your work as a photographer?

I consider myself predominately a film writer/director. I did some shorts and one feature film; I’m developing the next one. I wouldn’t say still photography much relates to filmmaking, but it can supplement it. While making your film you depend on many people, and when I take photographs, I’m alone. Photography doesn’t cost much to do, at least not in comparison to filmmaking which is very expensive. The process of making films is, unfortunately, all about money, and it’s extremely stressful. I experience still photography as relaxing and liberating. But – and there’s the catch – when it’s all said and done, seeing the finished film is pure magic. For me personally, no other art form can come close to it.

Can you explain us your creative process?

It’s very intuitive, no matter if I work within a specific project or a theme, or not. I search around the city – Berlin is very rewarding that way. Lots of old surfaces, textures, it’s like a supermarket for me. Then I look through what I shot and see what works and what doesn’t, and apply some post processing to bring the pictures alive.

What is the role of colors and materials in your works?

Colour is very important to me. I like black and white a lot, but I’m really a colour guy. But if I don’t have a way of completely controlling it, I prefer not to go there at all. There’s nothing worse than badly chosen colour, it destroys the whole thing. But when it works … In regards to materials, I like my abstracts to be printed on paper and then attached to aluminium for stability. No frame, no glass. I like them to have an immediate quality, to hang like a painting.

If you could go anywhere in the world for your next job, where would you like to go?

I wouldn’t mind Rome. I love the city and it too – not unlike Berlin – offers numerous decaying surfaces that I look for.

Tell us something about your upcoming projects.

At the moment I’m very much wrapped up in filmmaking, so I don’t have as much time for still photography as I’d like. But I’m looking forward to a solo exhibition in February.

( Images © Blaz Kutin)

**Italiano**

 

di Chiara Costantino

 

Blaz Kutin è filmmaker e fotografo. Nato a Lubiana (Slovenia), al momento vive a Berlino (Germania). Si è laureato in Etnologia e Sociologia, ma ha iniziato presto a lavorare come sceneggiatore e regista. Ha diretto diversi corti e ricevuto il premio per la categoria Nuovi Media al Festival del Cinema di Cannes per la sceneggiatura di “Lara” (2006), mentre il suo primo lungometraggio “We’ve never been to Venice” è stato proiettato durante diversi festival del cinema in giro per il mondo. Nell’ultimo anno e mezzo, si è dedicato al suo portfolio fotografico, nel quale sta esplorando soprattutto la fotografia astratta. Il suo ultimo progetto, chiamato “I was here”, mostra ritratti sbiaditi sui muri del paesaggio urbano di Berlino.

Ciao Blaz! Come sei arrivato alla fotografia?

E’ successo in modo spontaneo, mentre stavo lavorando al mio prossimo film. Ho iniziato a esplorare il mezzo sempre di più, e presto non c’è stata possibilità di tornare indietro.

Sei nato in Slovenia ma attualmente vivi in Germania. Che differenze rilevanti hai trovato tra questi due paesi?

Influiscono sulla tua arte e in che maniera?Forse la differenza più rilevante è la dimensione. La Slovenia è molto piccola, ha solo due milioni di abitanti, e penso che molte altre differenze siano la diretta conseguenza di questa. Ma, stando qui, non sento molto di vivere in Germania, quanto piuttosto a Berlino. Questa città ha un sentire speciale, è molto aperta, e puoi percepirlo subito. L’ambiente di certo influenza sempre la gente in profondità, ma credo che ciò che veramente contasse per me, dopo essermi trasferito qui, fosse che Berlino mi offriva una distanza psicologica. Potevo d’un tratto guardare me stesso e le tematiche che stavo esplorando con occhi nuovi.

Il tuo lavoro indaga in particolar modo la fotografia astratta. Puoi spiegarci di che genere di fotografia si tratta e perché te ne interessi?

Per me, le foto astratte sono immagini che non rappresentano direttamente la realtà. E’ richiesto coinvolgimento da parte dello spettatore per attribuirvi del significato. Mentre scatto una foto, il mio obiettivo di solito è trascendere il mezzo. Mi è stato detto che molte delle mie fotografie potrebbero essere semplicemente dei dipinti, per esempio, e lo spettatore non riuscirebbe a capire che in verità sta osservando un particolare di un container o di un muro. E’ difficile spiegare perché me ne interessi, è liberatorio, credo. Lo vedo come opposto, diciamo, alla fotografia di strada, che spesso tende ad annoiarmi in quanto spettatore. Con le astrazioni e le loro forme e colori, provo a trovare qualcosa di nuovo, mi eccita esplorare, inventare e scoprire, usando la mia immaginazione e il subconscio.

Ritieni che il tuo campo di studi (sociologia e etnologia) influenzi le tue fotografie?

Non è una coincidenza il fatto che le abbia studiate, sebbene non sia nemmeno molto rilevante. Avevo davvero – per quanto l’etnologia se ne occupi – una passione per il vecchio, e gran parte della mia fotografia rappresenta questo. La sociologia, d’altro canto, è qualcosa che avevo bisogno di indagare quand’ero più giovane – prima di indirizzarmi verso aree più personali, psicologiche e filosofiche.

Analogico o digitale? Perché?

Al giorno d’oggi, uso solo il digitale per i miei lavori astratti e sono grato a tutta la praticità che offre. Permette di lavorare molto più agevolmente. Ma a livello visivo preferisco l’analogico. Non conta molto per i miei lavori astratti, ma se dovessi scattare un genere diverso di fotografie, probabilmente userei l’analogico.

Sei anche un filmmaker. Dicci qualcosa su questa tua attività artistica.

E’ collegata al tuo lavoro di fotografo?Mi considero soprattutto uno sceneggiatore e regista. Ho realizzato alcuni corti e un lungometraggio: sto lavorando al prossimo. Non direi che la fotografia statica sia tanto collegata al fare cinema, ma può integrarla. Mentre giri il tuo film, dipendi da molte persone, e quando fai fotografie, sono solo. La fotografia non costa molto in termini di produzione, almeno non quanto girare un film, facendo il paragone, cosa che è invece molto costosa. Il processo del fare cinema è, purtroppo, del tutto meramente economico, ed è estremamente stressante. Ritengo l’esperienza della fotografia statica qualcosa di rilassante e liberatorio. Ma – e c’è il trabocchetto – quando tutto è stato detto e fatto, vedere il film finito è pura magia. Per me personalmente, nessun’altra forma d’arte può avvicinarvisi.

Puoi spiegarci il tuo processo creativo?

E’ molto intuitivo, non conta che io stia lavorando a un progetto definito o a una tematica, o no. Vado in cerca per la città – Berlino in questo senso è molto gratificante. Un sacco di vecchie superfici, consistenze, è come un supermercato per me. Poi, guardo attraverso ciò che ho immortalato e vedo cosa funziona o meno, e effettuo qualche ritocco per dare vita alle fotografie.

Qual è il ruolo dei colori e dei materiali nei tuoi lavori?

Il colore è importantissimo per me. Mi piace un sacco il bianco e nero, ma sono sul serio un appassionato del colore. Ma se non hai un metodo per gestirlo del tutto, preferisco non andare oltre. Non c’è niente di peggio di un colore scelto in modo sbagliato, distrugge tutto l’insieme. Ma quando funziona… in termini di materiali, mi piace che le mie foto astratte siano stampate su carta e poi attaccate all’alluminio per dare stabilità. Nessuna cornice, nessun vetro. Mi piace che abbiano una qualità immediata, che siano appese come un dipinto.

Se potessi andare dove più ti piace nel mondo per il tuo prossimo lavoro, dove ti piacerebbe andare?

Non mi dispiacerebbe Roma. Amo la città e anch’essa – come Berlino – offre numerose superfici decadenti del tipo che cerco.

Dicci qualcosa sui tuoi progetti futuri.

Adesso sono molto preso con il cinema, per cui non ho altrettanto tempo a disposizione per la fotografia statica come vorrei. Ma ho in programma una mostra personale a febbraio.